Тема 10. Европейская художественная культура XVII-XVIII вв




Дата канвертавання28.04.2016
Памер196.93 Kb.
Тема 10. Европейская художественная культура XVII-XVIII вв.

  1. Стиль барокко. Творчество Лоренцо Бернини

  2. Голландская школа живописи

  3. Стиль классицизм во Франции. Творчество Никола Пуссена

  4. Стиль рококо

  5. Неоклассицизм в творчестве Ж. Л. Давид

  6. Классицизм в архитектуре Франции

  7. Неоклассицизм в архитектуре

  8. Жилье европейцев

  9. Кухня европейцев




  1. Стиль барокко. Творчество Лоренцо Бернини

XVII век – одна из самых ярких и блистательных страниц в истории мировой художественной культуры. Это время, когда на смену идеологии гуманизма и веры в безграничные возможности человека пришло ощущение драматических противоречий жизни. С одной стороны, происходит революционный переворот в естествознании, формируется новая картина мира, в искусстве появляются новые стили, с другой – преобладают политический консерватизм, пессимистические взгляды на общество и человека.

Эпоху XVII века в культуре и в искусстве принято называть эпохой барокко. Формирование новой европейской культуры было связано со стремительно меняющейся «картиной мира» и кризисом идеалов итальянского Возрождения. Для духовной жизни общества XVII века большое значение имели Великие географические открытия и естественно-научные открытия. Человек начал остро ощущать зыбкость и неустойчивость своего положения, противоречия между иллюзией и реальностью. Новое мировосприятие по-особенному преломилось в художественной культуре: все необычное, неясное, призрачное стало казаться красивым, привлекательным, а ясное и простое - скучным и неинтересным. Эта новая эстетика заметно потеснила прежние ренессансные принципы подражания природе, ясности, уравновешенности.

Так возник новый стиль – барокко. Барокко (итал. barocco — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам», порт. perola barroca — «жемчужина неправильной формы» (дословно «жемчужина с пороком») – жаргонное словечко португальских моряков для обозначения бракованных жемчужин неправильной формы стало использоваться в значении «смягчить, растворить контур, сделать форму более мягкой, живописной».

Для барочной архитектуры была характерна пышная декоративная отделка со множеством деталей, многоцветная лепка, обилие позолоты, резьбы, скульптуры, живописные плафоны, создающие иллюзию уходящих вверх разверзшихся сводов. Это время господства кривых, причудливо изогнутых линий, перетекающих друг в друга, торжественных фасадов зданий и величественных архитектурных ансамблей. В живописи доминирует парадный портрет, свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии.

Начало итальянского барокко связано со строительством римской церкви Иль Джезу (1575 г.), фасад которого был оформлен Джакомо делла Порта. Она в буквальном смысле «создала эпоху», став выражением стилевых тенденций времени: традиционное деление на 2 этажа, полуколонны, ниши, статуи и неизбежные волюты (завитки) на углах. Первой по времени и самой крупной дворцовой постройкой той эпохи был палаццо Квиринале, летняя резиденция римских пап, возведенный на вершине Квиринальского холма.

Наиболее яркое выражение в скульптуре это течение находит в творчестве Лоренцо Бернини. Его скульптура «Давид» - изображает момент стремительного движения, порыва навстречу гиганту Голиафу, переход одного движения в другое. Бернини не останавливается перед искажением лица, передачей болезненного или блаженного выражения. С именем Бернини связан очередной этап преобразований собора Святого Петра в Риме: он оформил площадь перед собором, прямо от краев фасада далеко вперед протянулись крытые галереи-коридоры. Архитектор создал 2 площади – большую эллиптическую, обрамленную колоннами, и непосредственно примыкающую к ней площадь в форме трапеции, ограниченную с противоположной стороны главным фасадом собора. Одновременно пространство перед собором являлось и городской площадью, оформленной обелиском в центре овала и двумя фонтанами. В скульптуре «Аполлон и Дафна» Лоренцо Бернини запечатлел в летящем движении момент превращения юной беззащитной Дафны, настигнутой легконогим Аполлоном, в лавр. Блестящее мастерство Бернини проявилось в строительстве знаменитых римских фонтанов - «Фонтан Тритона» и «Фонтан четырех рек».




  1. Голландская школа живописи

На первый план в изобразительном искусстве и прежде всего в живописи выходят Нидерланды. Питер Пауль Рубенс (1577-1640) подобно великим фигурам Возрождения, проявил себя в разных сферах деятельности: он был дипломатом, придворным, удостоился дворянского звания, дружил и сотрудничал с выдающимися людьми эпохи. Как и многие другие живописцы, в молодости Рубенс совершил поездку в Италию, где изучал памятники античности и работы мастеров Возрождения. Вернувшись на родину, он создал классический образ монументально алтарного образа барокко - «Воздвижение креста» и «Снятие с креста» (1610-1614). Группа палачей и солдат ставит большой крест с пригвожденным к нему Христом. Разнообразные позы фигур, их сложные ракурсы и вздутые мышцы выражают крайнее напряжение физических сил, этой грубой мощи противопоставляется идеализированный образ Христа. Для Рубенса характерны могучие и пышные человеческие тела, полные жизненной силы, большой декоративный размах. Темой его полотен были мифологические и библейские сюжеты, исторические сцены. Он стал создателем парадного барочного портрета. В картине «Охота на львов», эскиз для которой составляет одну из лучших рубенсовских вещей в собрании Эрмитажа, действие наделено необычайной стремительностью и страстностью. Вздыбившиеся кони, лев, терзающий падающего всадника, и поражающие его охотники слились в неразрывную группу, где безудержная сила и жизненная энергия превращаются в бешенство.

Он охотно обращается при этом к темам античного мира. Принадлежащая к числу шедевров мастера эрмитажная картина «Персей и Андромеда» (1620—1621) дает пример того, как свободно и реалистично использует он образы классической древности. Изображен момент, когда мифический герой Персей, прилетев на своем крылатом коне Пегасе, освобождает прикованную к скале Андромеду. Он победил державшего ее в плену дракона, и страшное чудовище бессильно разевает у его ног свою пасть. Восхищенный красотой пленницы, Персей приближается к ней, слава венчает победителя, амуры спешат служить ему. Главной темой Рубенса был человек, живая и земная любовь, можно даже сказать страсть. Он был привержен к жизненной полноте, силе, размаху, буре движения. Он часто изображал обнажённые фигуры, часто грузное, теплое, полнокровное тело, налитое пышным цветом жизни и обычно выделенное светлым пятном на темном фоне. Таковы его парадные картины вроде «Триумфа Марии Медичи» (рис. 66). Так, он пишет «Елена Фоурмен в шубке». В портретах Рубенса аксессуары, фоны – пышные занавеси и т. д. не мешали, а наоборот способствовали раскрытию характера персонажа, проникновению в его внутренний мир («Портрет камеристки»).

Реалистические тенденции в живописи можно наблюдать в творчестве великого голландского художника Рембрандта Гарменса ван Рейн (1606-1669). Тематика его творчества многообразна: религиозные сюжеты, мифология, история, портреты, жанровые сцены. Искусство Рембранта отличалось, прежде всего, любовью к человеку, гуманизмом, в каждом произведении Рембрандта – попытка передать духовную эволюцию человека, трагический путь познания жизни. Его герои – люди с противоречивыми характерами и непростыми судьбами. Художник всегда изучает натуру, свою модель, не ограничиваясь изображением общих черт. В историю мировой живописи Рембрандт вошел как мастер автопортрета. Из года в год он изображал себя то веселым или грустным, то рассерженным или равнодушным. В ста созданных им автопортретах – история его жизни, биография души, исповедь художника.

На картине «Возращение блудного сына» изображён финальный эпизод притчи, когда блудный сын возвращается домой, «и когда он был ещё далеко, увидел его отец его и сжалился; и, побежав, пал ему на шею и целовал его», а его старший праведный брат, остававшийся с отцом, осердился и не хотел войти. «Даная» написана по мотивам древнегреческого мифа о Данае, матери Персея. Когда царь древнегреческого города Аргоса узнал о пророчестве, согласно которому ему суждено умереть от руки сына Данаи, своей дочери, он заключил её в подземелье и приставил к ней служанку. Бог Зевс, однако, проник к Данае в виде золотого дождя, после чего она родила сына Персея.




  1. Стиль классицизм во Франции. Творчество Никола Пуссена

Во Франции XVII века господствовал классицизм. Классицизм (фр. classicisme, от лат. classicus — образцовый) — художественный стиль и эстетическое направление в европейском искусстве XVII—XIX вв. В основе классицизма лежат идеи рационализма. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Мастера классицизма не передавали в своих произведениях непосредственную, окружающую их жизнь. Они изображали облагороженную действительность, стремились создать идеальные образы, соответствовавшие их представлениям о разумном, героическом и прекрасном. Тематика классицистического искусства ограничивалась главным образом античной историей, мифологией и Библией, а образный язык и художественные приемы заимствовались из классического античного искусства, которое в представлении мастеров классицизма больше всего соответствовало гармоническому идеалу разумного и прекрасного.

Основоположником классицизма во французской живописи был Никола Пуссен (1594-1665). Его произведения отличают глубокие идеи, мысли и чувства. Он считал, что искусство должно напоминать человеку «о созерцании и мудрости, с помощью которых он сумеет остаться твердым и непоколебимым перед ударами судьбы». В рамках сюжетов из античной мифологии и Библии Пуссен раскрывал темы современной эпохи. В своих произведениях он стремился к величавому спокойствию, благородной сдержанности, равновесию. Его идеал - герой, сохраняющий в жизненных испытаниях невозмутимое спокойствие духа, способный совершить подвиг. Мысль о быстротечности жизни и неизбежности смерти часто привлекала внимание Пуссена и послужила темой многих его работ. Лучшая среди них — картина «Аркадские пастухи» (Лувр), выполненная, по-видимому, в начале 1650-х годов. Она изображает четырех жителей легендарной счастливой страны — Аркадии, нашедших среди зарослей кустарника гробницу и разбирающих высеченные на ней слова: «И я был в Аркадии». Эта случайная находка заставляет задуматься аркадских пастухов, напоминая им о неизбежности смерти. Глубокая философская идея, лежащая в основе этой картины, выражена в кристально ясной и классически строгой форме. Характер фигур, их статуарность и близость к античным формам и пропорциям показательны для зрелого искусства мастера. Картина отличается необыкновенной цельностью замысла и выполнения, а затаенная грусть, которой она проникнута, придает ей совершенно своеобразную прелесть. Одна из характерных черт его таланта - умение раскрыть внутренний мир человека в движении, в жесте, в ритмах.



  1. Стиль рококо

В истории французской культуры период с начала царствования Людовика XV и до начала революции (1789) называют периодом Просвещения. Одной из важнейших характеристик культуры эпохи Просвещения является процесс вытеснения религиозных начал искусства светскими. Светское зодчество в XVIII веке впервые берет верх над церковным практически на территории всей Европы.

Социальная жизнь эпохи Просвещения было весьма противоречивой. Просветители боролись со «старым порядком», который тогда еще имел реальную силу. Не только стилем художественного творчества, но и образом жизни королевских дворов, олицетворяющих «Старый порядок» Европы становится рококо (от франц. «rocaille» - раковина). Название передает главную черту этого стиля – выбор сложной, изысканной формы и причудливости линий, напоминающих силуэт раковины.

Термин «рококо» (или «рокайль») вошел в употребление в середине XIX в. Изначально «рокайль» — это способ убранства интерьеров гротов, фонтанных чаш и т. п. различными окаменелостями, имитирующими естественные (природные) образования. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту.

В отличие от барокко, которое было исключительно придворным стилем, рококо было искусством аристократии и высших слоев буржуазии. Теперь главной целью мастера стало не прославление кого-либо или чего-либо, а удобство и удовольствие конкретного человека. Архитекторы рококо стали заботиться о комфорте человека. Они отказались от помпезности величественных барочных зданий и старались окружить человека атмосферой удобства и изящества. Живопись также отказалась от «великих идей» и стала просто красивой. Избавленные от бурных эмоций барокко, картины наполнились холодным светом и тонкими полутонами. Рококо был, пожалуй, первый почти полностью светский стиль в истории европейского искусства. Как и философия Просвещения, так и искусство рококо отделились от церкви, отодвинув религиозные темы далеко на задний план. Отныне и живопись, и архитектура должны были быть легкими и приятными. Галантное общество XVIII века устало от нравоучений и проповедей, люди желали наслаждаться жизнью, получая от нее максимум удовольствий.

Рококо проявлялся не во внешнем оформлении зданий, а только в интерьерах, а также в оформлении книг, в одежде, мебели и живописи. Стиль рококо выразился блестящим образом также во всех отраслях художественно-промышленных производств; с особенным успехом он применялся в фабрикации фарфора, сообщая своеобразное изящество как форме, так и орнаментации его изделий; благодаря ему, эта фабрикация сделала в своё время огромный шаг вперёд и вошла в большой почёт у любителей искусства. Кроме фарфора — в моде серебро. Изготовляются шоколадницы, супницы, кофейники, блюда, тарелки и другое. В этом веке рождается кулинарное искусство в его современном виде, в том числе — искусство сервировки стола. Мебель рококо отличается характерными чертами. Одна из самых ярких черт — изогнутые линии, изогнутые ножки. Мебель становится более легкой и изящной по сравнению с той, что была прежде. Появляются новые предметы мебели: консольные столики, секретеры, бюро, комоды, шифоньеры. Два наиболее распространенных типа кресел — «Бержер» и «Маркиза». Позолоченные канделябры, часы, фарфоровые статуэтки, гобелены, ширмы – обязательные элементы стиля рококо. В обилие используются зеркала и картины, весящие ассиметрично. На диванах и креслах используйте шелковые подушки и пуфы с сюжетной вышивкой. Интересный факт – именно стиль дизайна рококо внес в интерьер такое новшество как аквариум в интерьере.

Главные темы живописи рококо – изысканная жизнь придворной аристократии, «галантные празднества», идиллические картины «пастушеской» жизни на фоне первозданной природы. Одним из величайших мастеров французского искусства 18 века был Антуан Ватто (1684—1721), художник тонкого поэтического чувства и большого живописного дарования. Мечтательный и меланхоличный мастер «галантных празднеств», он внес в изображение жизни светского общества подлинную поэзию и глубину чувств, а в трактовку любовных сцен и беспечных увеселений оттенок какой-то тоски и неудовлетворенности. Очень часто мы встречаем в его картинах образ одинокого мечтателя, меланхолического и грустного, погруженного в раздумье и удалившегося от шумного веселья, от суетного тщеславия толпы. Это — подлинный герой Ватто. Произведения его всегда овеяны лирической грустью. Мы не найдем в них бурного веселья, резких и звучных красок. Особенно любит он изображать гуляющих или развлекающихся дам и кавалеров на фоне пейзажа, в заросших тенистых парках, на берегу прудов и озер. Таковы две очаровательные картины Дрезденской галереи, например «Общество в парке», где все проникнуто тонким лирическим настроением, и даже мраморные статуи античных богов, кажется, с благосклонностью взирают на влюбленных. Одиночество, печаль, неудовлетворенность воплотил художник с особенной силой в образе «Жиля».

Самым знаменитым художником рококо был Франсуа Буше, который, помимо живописи, работал во всех видах декоративного и прикладного искусства: он создавал картоны для шпалер, рисунки для севрского фарфора, расписывал веера, исполнял миниатюры и декоративные росписи. Франсуа Буше был художником, идейно связанным с аристократическим обществом в период его упадка; он запечатлел в своих полотнах то стремление к наслаждению всеми благами жизни, которое царило среди высших классов в середине 18 века. В творчестве Буше получают широкое распространение мифологические сюжеты, дающие повод для изображения обнаженного женского и детского тела. Особенно часто он пишет мифологических героинь — в разные моменты их любовных похождений или занятых туалетом. Не менее характерны для Буше и так называемые пасторали, или пастушеские сцены. Увлечение пасторальными темами, характерное для всей эпохи, было отражением модных тогда теорий, согласно которым счастливы лишь наивные люди, живущие вдали от цивилизации, на лоне природы. Его пастухи и пастушки — нарядные и миловидные юноши и девушки, немного костюмированные и изображенные на фоне пейзажей. Помимо пасторалей и мифологических картин он писал жанровые сцены из быта аристократического общества, портреты (особенно часто портреты маркизы Помпадур), религиозные изображения, решаемые обычно в том же декоративном плане («Отдых на пути в Египет»), цветы, орнаментальные мотивы. Буше обладал неоспоримым талантом декоратора, он умел связать свои композиции с решением интерьеров.


  1. Неоклассицизм в творчестве Ж. Л. Давид

Основоположником французского неоклассицизма второй половине XVIII века стал Жак Луи Давид. Для произведений художника 1780-х годов характерны публицистическая направленность, стремление выразить героические свободолюбивые идеалы предреволюционной эпохи через образы античной истории, таковы «Смерть Сократа», «Ликторы приносят Бруту тела его сыновей». «Клятва Горациев» воспринималась обществом как призыв к революционной борьбе. Воодушевленный событиями Великой французской революции, Давид стремился к созданию исторической картины на современную тему «Клятва в зале для игры в мяч». Разгоревшийся пожар революции затянул пылкого художника в свой бурный круговорот: Давид выступил в роли политического деятеля, попал в 1793 году в конвент, в качестве его члена участвовал в осуждении короля на казнь, сочинял и предлагал проекты великих национальных празднеств и управлял их декоративною частью и т. п. В это время из-под кисти Давида вышли воспроизведения двух кровавых современных сцен — убийства Лепелетье и Марата.

После термидорианского переворота, падения и казни Робеспьера был арестован и его друг Давид, и только слава последнего как художника спасла голову Давида от гильотины. По выходе из тюрьмы Давид снова отдался всецело живописи и написал в 1795-1799 годах одну из лучших своих картин, «Похищение сабинянок» (более верное название этой картины — «Сабинянки, останавливающие битву между сабинянами и римлянами»). Давид не переставал интересоваться древней историей и написал «Леонид и спартанцы у Фермопил» и «Похищение сабинянок».




  1. Классицизм в архитектуре Франции

Во второй половине XVII века живопись и скульптура во Франции приобрели декоративный характер и подчинились архитектуре. Создаются парадные парковые ансамбли, дворцы нового типа. Наиболее полное воплощение этих тенденций было достигнуто в грандиозном ансамбле Версаля (1668-1689), который был главной резиденцией короля и прославлял безграничную мощь французского абсолютизма. План Версаля отличается ясностью, симметрией и стройностью. Вытянутый вширь дворец господствует над окружающей местностью и организует ее. Доминирующие прямые линии, гладкие плоскости и геометрические формы партера, водоемов, подстриженных деревьев, клумб объединяли парковый ансамбль. В оформлении дворцово-паркового ансамбля большую роль играли статуи, скульптурные группы, рельефы, фонтанные композиции. Стремление к пышности сочеталось с чувством меры, началом порядка.

Один из малых дворцов Версальского парка Большой Трианон находится в 2 км к северо-западу от Версальского дворца. Его также называют Мраморным Трианоном, поскольку облицовка фасада выполнена из разных пород мрамора с преобладанием розовых оттенков. Прежде на землях, где сейчас стоит дворец, располагалась деревушка Трианон, которую Людовик XIV приобрел в 1668 году, чтобы расширить территорию Версальского парка. Два года спустя король приказал Луи Лево построить там небольшой уединенный дворец. Однако Лево вскоре умер, и его проект воплотил в жизнь Франсуа д’Орбэ. Строительство так называемого Фарфорового Трианона было закончено в 1672 году, но здание оказалось недолговечным. В 1686 году Людовик приказал снести обветшавшую постройку, а на ее месте воздвигнуть новый дворец. К делу приступил первый архитектор короля Жюль Ардуэн-Мансар, проект которого предполагал сооружение дворца в итальянском стиле. Здание было окончено очень быстро, всего за полтора года – в период с июня 1687 по январь 1688 год.

Большой Трианон построен в стиле классицизма, к которому примешиваются черты итальянской архитектуры. Облицовка фасада выполнена из белого и розового мрамора, а также светлого камня. Южный и северный корпуса дворца соединены между собой открытой арочной колоннадой, или лоджией, которую спроектировал Робер де Котт. Лоджия служит видовой площадкой, откуда открывается великолепная панорама парка. Территория садово-паркового ансамбля Большого Трианона простирается на 23 гектара.


  1. Неоклассицизм в архитектуре

Неоклассицизм (ампир) также нашел свое отражение во французской архитектуре, причем казалось бы в абсолютно разноплановых постройках. Наиболее крупными зодчими этого периода были Жак-Анж Габриэль и Жак-Жермен Суффло. Одной из главных работ Жака Анжа Габриэля (1698—1782) является создание площади в Париже, носящей ныне наименование «Площади Согласия» (1751—1763, бывш. «Площадь Людовика XV»). В решении этой площади Ж.-А. Габриэль отказывается от принятой в прежние годы замкнутой застройки по контуру. Выходящие на площадь улицы, расположенная по ее оси Королевская улица и идущий в западном направлении главный проспект Парижа — авеню Елисейских полей — органически связывают площадь с планировкой прилегающего района. Здания расположены только с одной стороны площади, они не замыкают, а лишь оформляют проезд на улицы. Этим Габриэль наметил новые пути развития французского градостроительства.

В 1831 г. египетский правитель Мехмет Али предложил французскому правительству в дар луксорский обелиск Рамзеса II. Он был доставлен в Париж 21 декабря 1833 г. и по решению короля Луи-Филиппа был установлен в центре площади Согласия 25 октября 1836 г. На постамент нанесены диаграммы, иллюстрирующие процесс доставки 23-метрового 250-тонного сооружения из Египта во Францию. Другой важнейшей работой Ж.-А. Габриэля была постройка здания «Малого Трианона» в Версальском парке — одного из совершеннейших сооружений французской архитектуры 18 века (1762—1764). В «Малом Трианоне» Габриэль совершенно по-новому решает проблему загородного дворца. Он трактует, его как павильон, тесно связанный с окружающим парком, чрезвычайно простой и четкий по общей композиции и очень утонченный в деталях. В постановке здания своеобразно использован крутой уклон местности, так что с двух сторон здание имеет по три этажа, с двух других — только по два.

Крупнейшей постройкой Жака Жермена Суффло (1718—1780) является здание, первоначально предназначенное для церкви св. Женевьевы, считавшейся покровительницей Парижа. В годы французской буржуазной революции здание было превращено в Пантеон — место погребения выдающихся деятелей Франции — и при этом частично перестроено. Здание представляет собой в плане греческий крест, в центре которого возвышался купол, опирающийся на 4 столба. Фасад воспроизводит древнеримский портик, украшенный фронтоном, купол с фонарем покоится на высоком барабане, окруженном колоннадой.
8. Жилье европейцев

Течение XVI - Первой половины XVII ст. внутренний и внешний вид домов крестьян и мещан европейских стран изменился. В XVI ст. большинство крестьян европейских стран строила свои дома на юге Европы по камня, на севере - из дерева. Крыша дома делали из соломы или камыша. Внутри дома отдельных комнат обычно не было - все члены семьи жили в совместном помещении. Для отопления помещения и приготовления пищи использовалось костер. Мебели в крестьянской доме было мало: простой стол, скамьи, ящик для вещей, один-два табурета и сеновал вместо кровати. Пищу готовили в котле, висевший над очагом, а ели преимущественно из общей посуды, потому мисок и кружек на всех не хватало. Крестьянские жилища протяжении длительного времени не менялись, оставаясь такими, как в прошлом.

А вот жилья мещан в то время изменились. В городах появляется все больше каменных домов. В Италии, Испании и Южной Франции из камня строили жилье и в средние века. С XVI ст. в камень одеваются Париж и Лондон. Внешний вид дома стал убедительным свидетельством состоятельности его обладателя. Простые мещане окна своих домов затягивали пергаментом или промасленной бумагой, а состоятельные вставляли в окна стекло и даже делали витражи. Полы в домах состоятельные горожане покрывали каменной или керамической плиткой, а самые богатые заказывали мастерам пол из паркета, изложенного орнаментом. Простые горожане ограничивались деревянным полом. Крыша своих домов городская знать начала с XVII ст. укрывать ценной черепицей.

Привычные для нас бумажные обои появились в Европе именно в XVII ст. Сначала они украшали дома простых горожан, которые были не в состоянии обить стены своих жилищ драгоценными тканями или укрыть деревянными резными панелями, а впоследствии приобрели популярность и среди знати. В домах зажиточных мещан появились гостиные, где хозяин принимал гостей, спальни, столовая, рабочая комната хозяина и отдельные комнаты для слуг. Если дом принадлежал ремесленнику или купцу, то на первом этаже находилась лавка, где продавали товары, либо торговая контора.

Мебель и вещи были свидетельством состоятельности хозяина. Ценный посуда выставляли на специальных полках. Разнообразные вещи и одежду хранили в сундуках, что украшались орнаментом и росписью. Итальянские мебельщики, которые считались в Европе законодателями моды, первыми начали ставить свои сундуки вертикально. Так в XVI ст. появилась шкаф. Преимущества шкафа над сундуком были велики: вещи теперь можно было разложить на отдельных полках и легко отыскать в случае необходимости. Состоятельные европейцы в XVI ст. уже устраивали в своих жилищах специальные ванные комнаты. Их появление в домах привело к тому, что люди боялись посещать популярные недавно городские бани. Это было связано с распространением новой опасной болезни - сифилиса, завезенного в Европу после открытия Нового Света. Однако уровень гигиены большинства населения был чрезвычайно низким, а воображение состоятельных о ней вообще была почти комичной.

Несмотря на все изменения истории, человеческая жизнь продолжалась, люди женились, рожали и воспитывали детей. В XVII-XVIII вв. мужчины брак обычно брали в возрасте 25-29 лет. Нормальным явлением был брак с расчета, поскольку большинство семей были союзами не любовь, а хозяйства. Низкий уровень производства не позволял молодой семье быстро встать на ноги, поэтому брак вступали только тогда, когда уже имели собственное хозяйство. Семьи основном были большими, многодетными. Выживало в среднем 5-7 детей.

В XVIII в. произошло важный сдвиг в процессе планирования семьи. Во времена средневековья детей рожали столько, сколько посылал Бог. От количества детей зависел и статус женщины. Теперь же количество детей в семье определялась возможностями родителей их вырастить и воспитать. Но доминирующей эта тенденция стала позже.

Общая продолжительность жизни хотя и увеличилось, но не намного. Только четверть населения достигала 50-летнего возраста. Продолжительность жизни в значительной мере зависела от социального происхождения.

Жизнь как в городах, так и в селах зависело от продолжительности светлого дня. С заходом солнца жизнь и в городах, в селах замирало. Дома освещались свечами или масляными лампами. Уличное освещение появилось только в конце XVII в.
9. Европейская кухня XVI-XVII вв.

Человек XVI - первой половины XVII в. еще не совсем освободилась от психологического страха голода, который преследовал европейцев течение средневековья. Однако впоследствии жизнь стала легче, а трапеза богатого и простолюдину - вкуснее. Торжественный обед у зажиточного европейца произвел бы большое впечатление на нашего современника. Столы располагались в виде буквы "П". Во главе стола садились хозяин и самые уважаемые гости. На покрытых вышитыми скатертями столах находились золотые и серебряные солонки, Соусницы. Каждый гость имел свои тарелку, ложку и нож. Привычной для нас вилкой европейцы не пользовались. Большую двузубую вилку использовали только для того, чтобы взять мясо из общего блюду, а дальше его ели руками. Лишь в середине XVIII ст. вилка стала предметом всеобщего употребления.

Прежде на столе привлекала внимание огромное количество мяса. Во время обеда на стол подавали в 10 видов блюд, приготовленных из мяса. Все блюда готовились с большой количеством восточных пряностей, которые стали доступными европейцам. Лишь в конце XVII в. захват пряностями пошло на спад. Прежнему привычным напитком европейцев оставалось виноградное вино.

Однако с XVI в. в Европе начало приобретать популярности употребления горящих вин "- крепких спиртных напитков. Впрочем, злоупотребления спиртными напитками в странах Европы резко осуждалось. На десерт подавались сваренные в сахаре фрукты или орехи. В XVI - первой половине XVII в. европейцы стали потреблять много сахара благодаря его поступлению из колоний в Новом Свете. Для бедных людей сахар стал лакомством, а для зажиточных - привычным продуктом.

Видное место в рационе европейцев занимали в течение по крайней мере 150 дней религиозных постов рыба становилась главной пищей человека.

Крестьяне и бедные мещане питались гораздо скромнее, чем знать, однако и их меню стало гораздо разнообразнее. Во время обеда на их столе были каша, сыр, яйца, хлеб, масло и животное масло, а в праздники появлялись окорока и колбасы. Добрым приложением к столу были овощи со своего огорода или базара, а также ягоды, орехи и фрукты.

В XVI - первой половине XVII в. питания большинства европейцев улучшилось. Времена средневековья, когда голод был привычным спутником большинства населения Европы, стали забываться.

С развитием мировой торговли на столе у европейцев появились новые продукты и блюда. Изменение продуктов питания произошло не только в высших слоев общества, но и у мещан, крестьян. Так, картофель сделалась "вторым хлебом "в рационе жителей городов и сел.

Наиболее восприимчивыми к новым продуктам питания были состоятельные слои общества. Сахар, кофе, чай, шоколад стали символом эпохи Просвещения. В кофейнях, салонах за чашкой кофе, чая или шоколада обсуждали, спорили, решали политические проблемы.

Обычай пить кофе после обеда позаимствовали из Турции. Мода на кофе началась при дворе французского короля Людовика XIV. Первые кофейни были устроены наподобие турецких или египетских.



Помимо новых пищевых продуктов, в Европу было завезено табак. Курение начиналось как ритуальное действо. Весьма распространилось нюханья табака. Из всех колониальных товаров наиболее дорогим был чай - его привозили из Индии и Китая.


База данных защищена авторским правом ©shkola.of.by 2016
звярнуцца да адміністрацыі

    Галоўная старонка